민태홍 작가의 전시를 보러 갔습니다.
민태홍 화백은 의심할 여지 없이 오늘날 한국에서 가장 다작의 작가 중 한 명입니다.
일관되고 강렬하게 제시된 유익한 의미는 그의 창작 범위를 여러 가지 독창적인 방향으로 확장하기 위해 노력해 왔으며, 이 모든 것은 한국 전통 창작 자원의 전체 한국적 무의식 깊숙이 숨겨져 있습니다. 보물을 드러내도록 설계되었습니다.
엄밀히 기계적으로 한국으로 분류되는 사회에서 작가 홍민태는 고정관념에 얽매이는 것을 거부한다.
예를 들어, 한국에서 활동하는 모든 한국 화가는 "서양 화가" 또는 "동양 화가"로 분류되며 이는 다른 예술가 분야에도 적용됩니다.
화가 민태홍은 '동양화'와 '서양화'라는 두 예술 영역의 보이지 않는 경계와 실제 경계를 넘나들며 한국 미술계에서 보기 드문 예외 중 한 명이다.
홍민태 화백은 기술적으로나 그 외적으로나 다재다능함이 뛰어나다.
그는 현대적인 추상 "서양" 회화를 창조하면서 최고 수준의 전통적인 스타일의 "동양" 그림을 만들 수 있었습니다.
그의 독창성은 그의 작품에 "동"과 "서"를 모두 담지만, 그 작품은 어느 분야에도 속하지 않기 때문에 더욱 빛난다.
그리하여 이 작품들은 민태홍 화단만의 독창적인 화풍을 이루며 전통적인 동양화와 서양화의 경계를 초월한 새롭고 독창적인 현대미술을 탄생시켰다.
대략 다음과 같이 설명할 수 있습니다.
그의 최근 그림 중 일부는 서양 추상 표현주의의 변형이나 표면상 "색상" 그림으로 쉽게 오인될 수 있습니다.
(이러한 의미에서 그의 그림 중 상당수는 (진정한 존재론적 상위의 의미에서) 실체가 결여된 소위 "단색화" 또는 한국판 "단색화"로 분류될 수 있다.
사실, 이러한 "단색" 예술가들이 조지 아감벤(George Agamben)의 동명 저서 "콘텐츠를 가진 사람들(People with Content)"에서 아마도 가장 유감스럽게도 무례하게 언급된 것은 바로 이러한 이유 때문입니다. 민태홍의 작업에서 볼 수 있는 것은 육안으로 볼 수 있지만 실존의 관점에서 볼 때 그것은 실제 존재의 바깥에 존재한다.
(이 보이지 않는 현실은 물리학에서 말하는 '잠재적 에너지'에 비유할 수 있는데, 숨겨져 있거나 눈에 보이지 않고 어떤 유형의 육안으로는 인지할 수 없지만 그럼에도 불구하고 마치 자석에 의해 생성된 것처럼 작용합니다. 이론적으로 매우 사실적입니다.
민태홍의 추상적인 서양화에서 볼 수 없는 것은 물질적 실재로서의 이른바 '기'의 맥동이다.
그의 작업은 모두 에너지 또는 빛 입자의 물질 파동에 관한 것입니다. 그래서 그는 자신을 '빛의 예술가'라고 부른다.
내가 민태홍 작가라면 그의 닉네임에 한 단어를 더해 '빛 입자 작가'라고 부를 것이다.
넓은 의미에서 하이아트는 온갖 광파가 혼돈되고 얽혀 서로 간섭하는 거대한 우주적 혼돈 속에 무수히 무수히 존재하며 빛 입자만이 존재하는 우주의 기원이다.
빅뱅의 순간, 빛의 입자, 그 각각은 우주의 역사(우주의 온도로서), 각각은 무한한 시간과 무한한 거리인 "무한"의 고유한 측면 또는 개념을 포함합니다. .
모든 광파는 "우주 무한대"의 우주파입니다.
민태홍의 작업이 광입자파동, 즉 에너지파동에 관한 것이라면, 광입자는 '우주적 혼돈'(이 단어는 델로즈와 가타리의 철학사상에 처음 등장한 신개념의 주화로)을 포착한다. 민태홍의 화폭에는 극히 한정된 범위 안에 있는 우주의 무한성.
그렇다면 민태홍의 작품은 길베르주 들뢰즈의 '모더니즘' 버전의 전형적인 '모더니스트' 작품으로, 그린버그의 모더니즘 버전과 명백히 모순된다.
(한국의 단색화 작가들은 자국의 개념에 대해 비판적이었지만 사실은 서양의 개념을 은밀하게 적용하고 있었기 때문에 사실 한국의 단색화는 개념적으로나 역사적으로 잘못 이해된 구식 모더니즘에 바탕을 두고 있다는 점에 주목해야 한다.)
요컨대, 민태홍의 예술적 추구에는 또 다른 중요한 측면이 있는데, 그것은 그를 "유행" 영역에서 더 확립된 단색 화가들과 구별시키는 한국의 누보 부자의 타락한 부르주아적 취향이다.
많은 단색 화가들이 실제로 구서구 모더니즘 이데올로기 시대의 그린버그 판을 따른다면 민태홍은 들뢰즈 판과 같은 신 모더니즘에 가깝다.
최근 몇 년간 민태홍의 전통공예와 관련된 작품들 중 가장 새롭고 흥미로운 예술 창작물들도 지속적으로 진화하고 있다.
민태홍 화백은 이번 신작에서 신라나 고려 시대에 금가루를 사용한 한국 불화에서 영감을 얻었다.
민태홍 작가가 한국 현대불교 도상학의 현대화(따라서 세계화)된 버전에 금가루라는 매우 정교한 응용 기법을 얼마나 능숙하게 사용하여 21세기에 정서적으로 관련된 작품을 만들어내는지 그저 놀랍습니다. .
미술계, 특히 한국에서는 '공예'와 '일반기'를 '창의적 예술'이라기보다 단순히 응용미술로 멸시한다.
나는 세계 미술계, 특히 한국의 소위 응용 공예에 대한 이러한 설득력 있는 편견에 동의하지 않습니다.
이것은 William Morris와 Ruskin과 같은 사람들이 주도하고 세기 후반의 시인이자 철학자인 William Blake에 의해 영감을 받은 "Arts and Crafts Movement"라고 부르는 것입니다.
이 아이디어는 산업 발전으로 인해 남성과 여성이 자신을 잃고 정신적 소외와 파괴를 일으키는 새로운 도시 문명을 탄생시켰습니다.
19세기 말에는 대량 생산과 대량 소비의 시대가 열렸습니다.
산업 생산은 "예술 제작"을 포함하여 인간 노동의 거의 모든 영역에서 수공예품을 쓸모없게 만들었습니다.
"예술을 위한 예술"이라는 슬로건과 함께 산업 정신은 예술가들의 작업실의 창작 영역에 스며들고, 새로운 산업 시대의 인물들의 우아한 취향을 통해 현대 산업 회화는 멀고 객관적인 미적 대상이 됩니다. 자본주의.
순수 예술을 고급 와인의 소비와 같은 소비재로 자발적으로 전환하고, 순수 예술을 영혼 없는 소모성 아이템으로 상품화하는 것은 상류층의 명품 소비재 브랜드인 구찌의 가방과 배지 컬렉션과 같습니다. 자본주의. 입력하다
모더니즘의 이름으로든 포스트모더니즘의 이름으로든, 현대 산업주의 문명에서든, 기계 산업주의든 정보 기술이든 소프트웨어 기술이든, 예술의 개념은 파괴되고 맹목적인/무한한 허무주의로 변질되었습니다.
이 때문에 칸딘스키와 그의 추종자들은 간헐적으로 예술의 영적 갱신을 요구했습니다.
윌리엄 모리스(William Morris)가 주창한 것처럼 타락한 인간의 정신을 되살리기 위해서는 미술 창작에서 장인 정신을 재발견해야 합니다.
그의 혁신운동이 실패한 것은 그의 이념이 나쁘기 때문이 아니라 시대를 잘못 만났기 때문이다.
그러나 이제 현대(또는 동시대) 문명은 IT, AI 또는 다른 산업 버전이든 이제 최악의 허무주의에 빠져 있습니다.
이 시점에서 우리는 우리를 인간으로 만드는 인류의 영적 핵심으로 눈을 돌려야 합니다.
영적으로 되살아난 이 예술은 남한에서 서구화된 가짜 한국 예술가들의 작품이 아니라, 신자유주의의 발상지인 뉴욕과 런던 등 이른바 동시대 국제 중심지에서 세계 미술계의 흐름을 용감하게 거부한 이들의 작품이다. 금융 자본주의. 에서 찾을 수 있습니다.
아래는 민태홍 작가님과 같은 추상주의에 대한 설명입니다.
<추상주의>
예술이나 회화나 그 기법에서 보이는 것을 최대한 자연스럽고 사실적으로 재현하기보다는 점, 선, 면, 색 등을 표현하는 것이 목적이다. 추출. 전자는 칸딘스키이고 후자는 몬드리안이다.
본래 목적은 현실의 정치적, 이념적, 경제적 논리에서 동떨어진 순전히 심미적인 것만을 표현하고자 하는 욕망에서 시작되었습니다. 따라서 선전의 수단이 될 수 있는 특성화는 제외하였다. 또한 클레멘트 그린버그(Clement Greenberg)와 같은 이론가들은 회화가 아닌 모든 것을 배제해야 한다고 주장하면서 회화는 회화와 같아야 한다고 주장했다. 즉, 내러티브는 문학에서 오므로 회화에서도 이야기는 배제되어야 하고[2], 조각에서는 입체감이 오므로 그림자가 들어가지 않아야 하며, 공간감은 건축에서 오므로 원근감은 없어야 한다. 소개됩니다. 이쯤 되면 그는 점, 선, 면, 색 등 구성 요소의 아름다움만이 드러나야 한다고 생각하며 대상에 대한 묘사를 거부하는 지경까지 이르렀다.
당시 모더니즘을 따랐던 다른 분야의 예술가, 건축가, 이론가들도 마찬가지였다. Mies van der Rohe와 Le Corbusier(주류 건축은 무엇보다 추상화에 기초하고 있습니다. 개념에 기초한 건축은 종종 순진합니다)와 디자이너 Moholy-Nagy와 같은 대표적인 건축가들입니다. 그들은 사물이 핵심 구조를 가지고 있으며 이 구조를 구성하는 것이 예술가의 일이라고 믿습니다. 그리고 이 추상화의 결과는 누구나 즐겁고 만족할 수 있는 작품이 될 것이라고 생각합니다. 그렇기 때문에 모더니즘은 회화, 디자인, 건축에서 매우 단순한 구조를 강조한다.
그러나 모든 객체를 무차별화하고 단순화하는 이러한 방식은 시간이 지나면 지루해진다는 치명적인 부작용이 있다. 이러한 접근은 예술적 가능성과 다양성의 억압으로 이어졌고, 결국 후대의 예술가들은 이에 반발하게 되었다. 이것을 포스트모더니즘이라고 합니다.
그러나 추상 탐색 및 개발의 다양한 이론과 기술은 오늘날 디자인 분야에서 유용한 응용 프로그램을 찾습니다. Mies van der Rohe와 Kandinsky가 지금 공부하고 있는 디자인 학교는 전설적인 것이 아니라 전설적인 Bauhaus입니다. 심플한 미니멀리스트 디자인을 강조하는 애플의 성향도 어느 정도 영향을 받았다.
조선시대에는 민화(그림)가 그 역할을 했다. 19~20세기 한국을 침략한 일본과 프랑스는 민화를 '한국의 추상미'라고 부르며 저렴한 가격에 대량으로 유통시켰다. 일본에서는 류종의(劉宗衣)라는 사람이 그 가치를 보고 많이 사서 이름을 화(華)라고 지었습니다. 그 이후로 교토의 일본 문학 박물관에 전시되었습니다.
추상 미술(abstract art)은 사물의 특정한 형태가 아닌 점, 선, 면, 색상 등의 순수한 조형적 요소를 표현하는 예술의 흐름이다. 각각의 모양이나 색상은 고유의 의미와 느낌을 가지고 있기 때문에 화가의 생각과 느낌은 모양과 색상의 조합을 통해서만 표현될 수 있습니다. 모더니즘 이후 장식미술에서 벗어나 조형적으로 세상을 규정하는 움직임이 있었고, 이것이 추상미술의 원동력이 되었다.
추상미술의 역사는 19세기에 시작되었으며, 1890년 모리스 데니스(Maurice Dennis)는 “회화는 평면에서 정돈된 색채로 덮이고, 전쟁터에서는 말이나 누드가 된다”고 말했다. 예술 선언. 20세기 야수파는 고갱이 오랫동안 주장해 온 색채의 해방을 주장했고, 큐비즘은 사실적인 오브제를 해체해 화면에 재구성했다. 나아가 미래주의는 현대의 급격한 변화에 대응하는 속도감을 표현하기 위한 시각적 언어를 만들어낸다.
1915년 키에프주의의 영향을 받은 말레비치는 절대주의를 주창하여 순수한 형태의 구성을 지향하고 질서정연한 형태로 화면에 배치했다. 추상미술이 현상을 추상화하는 작업이 아니라고 주장하는 포스트모더니즘의 사상은 예술의 가치에 있어 매우 중요한 변화를 시사하며, 그 함의는 막대하다. 이 운동은 모국인 러시아에서 소비에트 정책의 변화와 함께 사라졌지만, 그 이데올로기는 유럽에서 추상 미술의 저류가 되었습니다. 특히 신조형주의와 바우하우스의 영향을 무시할 수 없다.
반면에 Tatlin, Rodchenko, Gabor 및 Pevsner는 절대주의와 함께 혁명 전후 러시아에서 구성주의를 발전시키고 장려했습니다. 큐비즘이 제시한 추상적 형태와 미래주의가 불러일으킨 기계론적 사상의 영향을 받아 독자적인 방향으로 발전했고 혁명 전후의 대중의 입장을 예술뿐만 아니라 건축, 공예, 무대, 디자인, 발전 전반에 반영했다. 혁신 캠페인이 시작되었습니다. 마지막 정점은 1920년 모스크바에서 구성주의 대박람회가 열렸을 때였습니다. 무브먼트는 형식주의적이라는 비판을 받아왔다. 수락, 러시아에서의 활동이 종료되었습니다. 그러나 이 사상은 유럽으로 퍼져 독일의 바우하우스에 큰 영향을 미쳤고, 제1차 세계대전에서 돌아온 칸딘스키도 1921년까지 이 운동에 참여했다.
1917년 Theo van Dosburg는 Leiden 근처에서 De Stijl이라는 그룹을 집결했습니다. 기하학적 선과 순수한 색상 사이의 비인격적 관계를 기반으로 하는 운동의 미학은 회화의 Mondrian과 Dosberg, 조각의 Van Tongelo, 건축, 실내 장식 및 가구 Rietfeld et al.의 Aude에서 영감을 얻었습니다. 해당 필드. 필드. 그러나 이 운동이 추구하는 포괄성은 너무 유토피아적이어서 충분히 실현되지 못했고, 그 사상은 독일의 바우하우스에 상당 부분 계승되었다.
1919년 건축가 발터 그로피우스(Walter Gropius)의 주도로 독일에 국립 종합 모델링 학교인 바우하우스가 설립되었습니다. 바우하우스에서는 건축에 기반을 둔 포괄적인 아이디어를 바탕으로 하나의 워크숍에서 공식 및 실기 기술 연구 교육이 동시에 수행되는 독특한 워크숍 기반의 연구 및 교육 조직이 설립되었습니다. 스튜디오에는 벽화, 유리화, 판화, 도안, 금속, 직물 등이 있으며 각 분야에는 칸딘스키, 클레, 파이닝거, 마르크스, 모홀리-나기, 뮈처 등의 아방가르드 예술가들이 조형 연출을 담당한다. .연구. 나치가 예술의 자유에 대한 정치적 압력을 가하면서 바우하우스는 사립학교로 강등되고 베를린으로 이전했으며 곧 문을 닫았습니다. 그러나이 이데올로기는 현대 미술의 많은 영역에 매우 큰 영향을 미쳤습니다.
제2차 세계대전 이후 미국에서 추상표현주의가 활발히 전개되었다가 다시 유럽으로 유입되면서 앵포르멜 운동이 탄생했습니다.
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